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Les expositions du moment
Au premier étage de la librairie, retrouvez les catalogues et magazines autour des expostions du moment.
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L'Âge du papier : Félix Vallotton illustrateur
Julien Schuh, Katia Poletti, Sarah Burkhalter
- Cinq Continents
- 21 Mai 2025
- 9791254600986
Peintre, graveur, dessinateur, écrivain et critique d'art, Félix Vallotton (1865-1925) se distingue par son trait incisif, alliage de force décorative et d'expressivité mordante. Le renouveau qu'il a insufflé à la gravure sur bois dans les années 1890 l'a rapidement imposé dans les cercles artistiques et littéraires parisiens. Son talent d'illustrateur et dessinateur de presse prolifique a propagé sa notoriété bien au-delà des frontières de la France et jusqu'aux États-Unis. Il a illustré des bestsellers comme Poil de Carotte, de Jules Renard, et collaboré aux périodiques d'avant-garde les plus en vogue à l'époque : La Revue blanche, Le Rire, Le Cri de Paris, L'Assiette au beurre, Le Canard sauvage, à Paris, Jugend et Die Insel, à Munich et Berlin, The Studio, à Londres, The Century Illustrated Monthly Magazine, à New York, entre autres.
Cet ouvrage, qui réunit des essais critiques et une sélection d'environ 250 reproductions, explore cet aspect méconnu de l'oeuvre de Vallotton. Il paraît à l'occasion de la mise en ligne de Félix Vallotton illustrateur. Catalogue raisonné (Lausanne, Fondation Félix Vallotton & Lausanne/Zurich, Institut suisse pour l'étude de l'art (SIK-ISEA), Volume 32 de la série « Catalogues raisonnés d'artistes suisses »). -
Eugène Boudin, le père de l'Impressionnisme : Une collection particulière
Collectif, Laurent Manoeuvre
- In Fine éditions d'art
- 16 Avril 2025
- 9782382032190
Le musée Marmottan Monet présentera du 9 avril au 31 août 2025 une exposition en l'honneur d'Eugène Boudin (1824-1898), « Eugène Boudin, le père de l'impressionnisme : une collection particulière», rendue possible par des prêts exceptionnels venant de la remarquable collection de Yann Guyonvarc'h. La collection d'oeuvres du peintre Eugène Boudin (1824 - 1898) réunie par le mathématicien Yann Guyonvarc'h est exceptionnelle, à la fois par le nombre et par la cohérence. Des débuts jusqu'aux oeuvres ultimes, toutes les facettes de la production de l'artiste sont représentées : marines, scènes de plages ou de la vie quotidienne, exécutées de la Normandie à Venise, en passant par Bordeaux, la Bretagne, les Pays-Bas ou le Midi, qu'il s'agisse d'esquisses rapides, d'oeuvres ambitieuses destinées au Salon ou de tableaux « finis » pour collectionneurs. Au nombre de ces collectionneurs, le pianiste Charles de Bériot (1833 - 1914, auquel Ravel dédiera la « Rhapsodie espagnole »), le vaudevilliste Georges Feydeau (1862 - 1921), l'acteur Coquelin aîné (1841 - 1909, créateur, notamment, du « Cyrano de Bergerac » de Rostand) ou encore Ernest Hoschedé (1837 - 1891, l'acquéreur d'« Impression, soleil levant »).
Les peintures, aquarelles, pastels et dessins présentés ne l'ont été que très exceptionnellement, voire jamais.
La formule énoncée par Boudin, « trois coups de pinceaux d'après nature valent mieux que deux jours de travail au chevalet », est restée justement fameuse. L'artiste n'en a pas moins toujours énormément dessiné. Ces dessins étaient classés et consultés comme aide-mémoires lorsque, dans son atelier parisien, Boudin finissait les peintures ébauchées sur le motif. L'artiste lui-même a mentionné cette méthode de travail, qu'aucune exposition n'a, jusqu'à présent, mise en lumière de manière systématique.
A la fin de sa vie, Claude Monet déclarera, « je l'ai dit et je le répète : je dois tout à Boudin ». Le musée Marmottan-Monet est le lieu privilégié pour évoquer, grâce à des oeuvres provenant du legs Monet, les relations entre les deux artistes. -
Tous Léger ! avec Niki de Saint Phalle, Yves Klein, Martial Raysse, Keith Haring...
Anne Dopffer, Julie Guttierez, Rebecca François, Hélène Guénin
- GrandPalaisRmn
- 19 Mars 2025
- 9782711881109
Grâce à un partenariat inédit entre deux collections majeures du territoire de la Côte d'Azur, les oeuvres de Niki de Saint Phalle, Arman, Yves Klein, Raymond Hains, Martial Raysse ou encore César viennent à la rencontre des innovations plastiques de Fernand Léger, l'un des pionniers de l'avant-garde au XXe siècle.
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Cet ouvrage richement illustré est le catalogue officiel en français de l'exposition David Hockney 25 (du 9 avril au 1er septembre) à la fondation Louis Vuitton. Cette présentation exceptionnelle de plus de 400 oeuvres de 1955 à 2025 se concentre donc sur les 25 dernières années de création du grand artiste. Elle s'appuye sur un ensemble majeur provenant de l'atelier de l'artiste et de sa fondation, des prêts de collections internationales, institutionnelles ou privées. L'exposition réunira des créations réalisées avec les techniques les plus variées - des peintures à l'huile ou à l'acrylique, des dessins à l'encre, au crayon et au fusain, mais aussi des oeuvres numériques (dessins photographiques, à l'ordinateur, sur iPhone et sur iPad) et des installations vidéo.
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Paris, capitale de la perle : à l'École des Arts Joailliers, site Mercy-Argenteau
Collectif
- Beaux Arts Éditions
- 27 Novembre 2024
- 9791020409539
Pour sa seconde exposition, l'École des Arts Joailliers plonge
dans l'histoire, oubliée, de la perle fine. Symbole de pureté et
de luxe depuis l'Antiquité, toute en douceur et en éclat nacré,
cette perle a fait jadis la fortune des pays du golfe persique
[qu'on appelait "la côte des perles"] et, surtout, des joailliers
parisiens.
L'exposition revient sur ce commerce florissant, dont Paris
était le centre, comment elle a su inspirer l'ensemble des
joailliers parisiens mais également les artistes au sens large
(joailliers, artistes, photographes, etc.), et sur la perlomanie
qui s'empara de la capitale dans les années 1920, au point de
faire de la perle l'une des formes symboliques des années
folles.
Beaux Arts Éditions revient sur cette histoire, qui prit fin avec
l'introduction de la perle de culture à la fin des années 1920,
et qui aujourd'hui connaît une renaissance. L'occasion aussi
de présenter les plus belles et spectaculaires créations. -
Célèbre pour son incomparable coup de crayon, le plus grand maître du xviiie siècle français a laissé derrière lui des peintures et des dessins célèbres pour certains, confidentiels pour d'autres. Après le musée du Louvre, le musée Condé a la chance de détenir la plus grande collection d'oeuvres de Watteau en France et son fonds est intégralement publié dans cet ouvrage. De nombreuses toiles ou feuilles provenant de collections publiques et privées, françaises et internationales, complètent cet ensemble pour présenter les pans les plus emblématiques de son corpus. L'admiration que Watteau porte à Véronèse ou Titien ressort des copies qu'il réalise d'après leurs oeuvres et son intérêt pour les maîtres anciens est étudié de près entre ces pages. Ses études de visages ou de portraits, comme l'attention qu'il prête à la mode, aux costumes de théâtre et à la vie quotidienne dont il est le témoin sont également étudiés à neuf grâce aux nombreux spécialistes de l'artistes qui ont accepté de contribuer à cet ouvrage. Mais de tous les mondes que Watteau explore, c'est avant tout celui des fêtes galantes qui se dévoile ici sous un jour nouveau par la présentation d'oeuvres inédites et de redécouvertes en histoire de l'art.
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Dans le flou : Une autre vision de l'art de 1945 à nos jours
Claire Bernardi, David Anfam, Pascal Beausse, Jean-Pierre Criqui
- Atelier EXB
- Beaux Livres
- 24 Avril 2025
- 9782365114301
Publié à l'occasion de l'exposition Dans le flou, présentée au musée de l'Orangerie du 30 avril au 18 août 2025, cet ouvrage réunit de nombreuses contributions de commissaires d'exposition, historiens et critiques d'art, qui interrogent pour la première fois la place du flou dans les productions artistiques du XXe siècle à aujourd'hui.
L'esthétique du flou, qui commence à voir le jour au XVIIIe siècle, en opposition à la rigidité classique, apparaît au sortir de la Seconde Guerre mondiale comme un moyen privilégié d'expression d'un monde où l'instabilité règne et où la visibilité s'est troublée. Face au champ de possibles qui leur est ouvert, des artistes proposent alors, à travers une pluralité de médiums, de nouvelles approches artistiques et font leur matière du transitoire, du désordre, du mouvement, de l'inachevé, du doute... Instrument de sublimation tout autant que manifestation d'une vérité latente, le flou se fait, de Richter à Munch, en passant par Rothko, à la fois symptôme et remède d'un monde en quête de sens. -
Robert Doisneau : Instants donnés au musée Maillol
Collectif
- Beaux Arts Éditions
- Album Exposition
- 23 Avril 2025
- 9791020409881
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De Robert Doisneau (1912-1994), on connaît surtout Le Baiser de l'Hôtel de Ville et ses Poulbots en culotte courte. Mais Doisneau c'est aussi des photos de mode avec le magazine Vogue, des pubs, des portraits d'artistes dans leur atelier - Picasso, César, Giacometti, Braque, Vasarely, etc. -, un reportage photo dans les banlieues parisiennes, qui se concrétisa par la publication d'un livre, dont Blaise Cendrars signera les textes... ou toutes ces photos prises au hasard des rues, dans ces territoires ouvriers qu'il affectionnait tant. Il portait un regard souvent ludique, enfantin, une vision sans concession pour un monde dur et injuste. Le musée Maillol présente plus de 300 photographies, réalisées entre les années 1930 et les années 1980, dans ce qui sera la première rétrospective du photographe à Paris depuis près de 20 ans. 50 ans d'observation et d'exploration, 50 ans de vie et de carrière au service de l'art. Un parcours intime pour montrer les diverses facettes d'une oeuvre complexe et majeure au regard poétique.
Beaux Arts Éditions revient sur la vie de Doisneau, propose une nouvelle lecture de son oeuvre montrant ainsi l'originalité du photographe et son vocabulaire plastique montrant le monde tel qu'il est.
Exposition au musée Maillol,
du 17 avril au 12 octobre 2025 -
Connaissance des arts Hors-Série n.1110 : Picasso/Le Douanier Rousseau
Collectif
- Connaissance des arts
- Connaissance Des Arts
- 19 Février 2025
- 9782487762107
Picasso, onde de choc dans l'histoire de la peinture du XXème siècle, metteur en scène d'une autre réalité avec des oeuvres qui remettent en question tous les canons artistiques de l'époque invite le spectateur sur une scène imaginaire épicentre d'un art jalonné de nouvelles formes puis le visiteur sera plongé dans la peinture mystérieuse et poétique d'Henri Rousseau
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Louvre couture : Objets d'art, objets de mode
Olivier Gabet
- Éditions de la Martinière
- 31 Janvier 2025
- 9791040121558
Cette exposition bénéficie du soutien de Kinoshita Group et de Visa Infinite With the generous support of Kinoshita Group and Visa Infinite
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Bronzes royaux d'Angkor : Un art du divin
Dominic Goodall, Eric Bourdonneau, Pierre Baptiste, Meas Sreyneath, Dominique Soutif, Louise Roche
- In Fine éditions d'art
- 7 Mai 2025
- 9782382032220
« Angkor », capitale de l'empire khmer qui domina une partie de l'Asie du Sud-Est continentale pendant plus de cinq siècles (IXe-XIVe siècle), a conservé de sa gloire passée des vestiges monumentaux d'une ampleur et d'une beauté incomparables. L'architecture des temples, les statues de pierre qui y étaient abritées, ont maintes fois été célébrées et font partie du Patrimoine de l'Humanité. Qui, pourtant, se souviendra que ces grandioses sanctuaires bouddhiques et brahmaniques, aujourd'hui vides, conservaient jadis toute une population de divinités et d'objets de culte fondus en métal précieux : or, argent, bronze doré. Ils apparaissent furtivement sur certains bas-reliefs de pierre, on en apprend l'existence dans certaines inscriptions sanskrites ou khmères, rédigées çà et là dans les temples.
C'est à cet alliage précieux - le bronze - dont de beaux exemples ont subsisté, qu'est consacrée cette exposition. Subtile alchimie mêlant notamment cuivre, étain, plomb, en fusion dans un creuset, ce noble alliage a donné naissance, au Cambodge, à des chefs-d'oeuvre de statuaire témoignant de la fidélité des souverains khmers à l'hindouisme comme au bouddhisme. Car la métallurgie est une technique sacrée - apanage du roi - dont le savoir-faire est précieusement préservé dans des ateliers installés à proximité du palais royal, que l'on soit à Angkor (XIe-XIIe siècles), à Oudong (XVIe-XVIIe siècles) ou à Phnom Penh (XIXe-XXe siècles).
Cette exposition, organisée au musée national des arts asiatiques - Guimet, se propose de dresser un parcours chronologique de l'art du bronze au Cambodge, du IXe siècle à nos jours, à travers un voyage conduisant le visiteur dans les sites majeurs du patrimoine khmer.
Pour la première fois, cette exposition se propose d'envisager ce rôle particulier du souverain commanditaire des grandes fontes d'objets de bronze, de l'époque angkorienne à la période moderne, où, dans une continuité étonnante, art et pouvoir sont restés associés dans ce domaine plus que dans tout autre. L'exposition se conclura sur la présentation du Vishnou couché du Mebon occidental, chef-d'oeuvre du Musée national du Cambodge, dont l'étude et la restauration sont à l'origine de ce projet.
L'exposition réunit des chefs-d'oeuvre de la statuaire, d'objets d'art et des éléments de décor architectural à des sculptures de pierre, des photographies, des moulages et des documents graphiques permettant de replacer ces oeuvres d'art dans le contexte culturel qui était le leur, comme dans une perspective archéologique et historique.
L'exposition fera l'objet d'une itinérance aux États-Unis. -
Christian Krohg (1852-1925) le peuple du nord au Musée d'Orsay
Thomas Mohnike, Oystein Sjastad, Alexis Merle du Bourg, Solène Guyot
- Faton
- Dossiers De L'Art
- 14 Mars 2025
- 9782878444063
La première rétrospective consacrée en France au peintre
norvégien Christian Krohg (1852-1925), qui sera accueillie au
musée d'Orsay à partir du 25 mars, est l'occasion de découvrir un
artiste quasi inconnu du public non scandinave et qui a pourtant
figuré au Salon à Paris à plusieurs reprises dans les années 1880
et 1890, séjourné dans toute l'Europe et fréquenté les cercles de la
peinture moderne et de l'avant-garde intellectuelle de Paris à
Berlin et Copenhague.
Si son nom est connu de tous en Norvège, c'est parce qu'il a, par
ses positions personnelles, par ses écrits et par sa peinture,
contribué aux évolutions décisives de la société norvégienne dans
les deux dernières décennies du XIXe siècle. Incarnation du credo
naturaliste nordique, profondément marqué par Zola et souvent
comparé à Gustave Courbet, Krohg a mis toutes les ressources de
sa technique picturale, sa foi en une peinture adaptée au temps
présent et son goût pour les expérimentations formelles de Manet
et des modernes au service d'une mission jamais abandonnée :
peindre les hommes et les femmes de son temps. Portraits,
figures de marins naviguant, scènes urbaines et scènes
domestiques, tour à tour présentés dans ce numéro, illustrent son
aptitude hors du commun à témoigner des vies humaines. -
Louvre couture : objets d'art, objets de mode au Musée du Louvre, album officiel
Collectif
- Beaux Arts Éditions
- Album Exposition
- 12 Mars 2025
- 9791020409560
La Haute-Couture s'invite au Louvre. Pour la première fois, le musée du Louvre s'ouvre à la mode et entreprend un dialogue fécond entre les plus belles créations de mode et le département des objets d'art du musée, montrant ainsi comment les objets précieux, de Byzance au Second Empire, ont nourri l'imaginaire des créateurs, tant par leurs motifs que par leurs techniques ou par les matériaux utilisés.
Parmi la quarantaine de créateurs, de 1960 à aujourd'hui?: Chanel, Dior, Yves Saint Laurent, Dolce & Gabbana, Balenciaga, ou encore Carven... mais aussi de jeunes talents montants. L'exposition rend aussi hommage à la trop méconnue Marie-Louise Carven, immense couturière et fondatrice de la maison Carven. Grande collectionneuse d'art, elle fait don d'une centaine d'objets français du xviiie siècle au musée, en 1973.
S'associant au musée du Louvre, Beaux Arts Éditions publie l'album officiel de l'exposition, revenant sur les influences entre arts décoratifs et mode, un dialogue omniprésent aujourd'hui. La publication mettra en valeur la scénographie exceptionnelle avec une campagne de photographies exclusives. -
Connaissance des arts Hors-Série n.1118 : Matisse et Marguerite : Le regard d'un père
Collectif
- Connaissance des arts
- Connaissance Des Arts
- 2 Avril 2025
- 9782487762299
Consacrée à la fille aînée d'Henri Matisse, l'exposition propose de rassembler la majorité des portraits de Marguerite Duthuit-Matisse (1894-1982) réalisés par son père. L'ensemble forme une série exceptionnelle, depuis les premières images de l'enfant jusqu'à la fin de la Seconde Guerre mondiale. Modèle privilégié de Matisse, Marguerite apparaît dans plus d'une centaine d'oeuvres toutes techniques confondues, témoignant de la force et de la constance du lien qui unit l'artiste et sa fille.
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Connaissance des arts Hors-Série n.1119 : Gabriele Münter : Peindre sans détours
Collectif
- Connaissance des arts
- Connaissance Des Arts
- 2 Avril 2025
- 9782487762305
Première rétrospective de l'oeuvre de Gabriele Münter en France, l'exposition invite à découvrir cette pionnière de l'art moderne qui débuta sa carrière à Paris où elle exposa pour la première fois en 1907. Co-fondatrice du groupe munichois du Cavalier Bleu, Gabriele Münter (1877-1962) compte parmi les femmes artistes les plus éminentes de l'expressionnisme allemand.
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Matisse et Marguerite : Le regard d'un père au musée d'Art moderne de Paris
Collectif
- Beaux Arts Éditions
- Album Exposition
- 9 Avril 2025
- 9791020409775
Consacré à la fille aînée d'Henri Matisse, cet ouvrage rassemble la majorité
des portraits de Marguerite Duthuit-Matisse (1894-1982) réalisés par son
père, formant une série exceptionnelle qui témoigne de la force et de la
constance du lien qui les unit.
Modèle privilégié de Matisse, Marguerite apparaît dans environ 130
oeuvres toutes disciplines confondues, depuis les premières images de
l'enfant jusqu'à la fin de la Seconde Guerre mondiale. Au fil des années,
l'image de Marguerite s'adapte aux évolutions plastiques de son père. Au
cours de la décennie décisive 1905-1915, elle apparaît dans de superbes
portraits fauves, avant de prêter son visage à des interprétations plus
austères et géométriques. Dans les années 1920, Matisse la représente
souvent en compagnie d'un autre modèle féminin, dans des scènes qui
comptent parmi ses meilleures oeuvres niçoises. Les derniers portraits
datent de 1945, alors que Marguerite vient de retrouver son père après avoir
été arrêtée et torturée pour faits de résistance.
S'appuyant sur de plusieurs années de recherche dans les archives Matisse,
l'ouvrage est complété par une chronologie illustrée et des extraits inédits de
leur correspondance, offrant une approche intime de l'un des artistes les
plus célèbres du XXe siècle -
Paris noir : circulations artistiques, luttes anticoloniales 1950 - 2000, au Centre Pompidou
Collectif
- Beaux Arts Éditions
- 9 Avril 2025
- 9791020409690
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L'exposition remet en cause le récit du décentrement de Paris vers New York après-guerre, montrant combien la Ville Lumière a constitué, a contrario, un centre de résistance anticolonial, retraçant ainsi les présences artistiques africaines, africaines-américaines ou caribéennes des années 1950 aux années 2000. S'y côtoient alors diverses personnalités, militants des Civil Rights américains qui y posent les fondations possibles de la poursuite de leur apprentissage. Plusieurs artistes africains-américains y ont ainsi contribué au rayonnement de l'abstraction lyrique (Ed Clark, Beauford Delaney...). D'autres venus du continent y ont développé les premiers modernismes panafricains (Paul Ahyi, Skunder Boghossian, Christian Lattier...), alors que des mouvements artistiques comme Fwomaje (Martinique) et Vohou-vohou (Côte d'Ivoire) se sont élaborés en conversation avec Paris. La capitale est alors un point d'ancrage, avec ses réseaux de soutien et de promotion de l'Afrique et plus largement du « Tiers-monde », mais aussi de passage et de dialogue avec d'autres villes (comme New York, Alger, Istanbul ou Amsterdam). Cette traversée historique sera prolongée par le regard d'artistes contemporains.
Beaux Arts Éditions revient sur ces années de lutte, où les désirs et gestes d'émancipation se heurtent à différentes formes d'invisibilisation et de racisme. -
« Autant d'actes d'amour de Dieu que de points d'aiguille » : le grand Antependium des Ursulines d'Amiens, chef-d'oeuvre de broderie du Grand Siècle
François Séguin
- Invenit
- 4 Avril 2025
- 9782376801368
« Il est des objets intimement liés à l'histoire d'un lieu et possédant en eux-mêmes une puissance d'évocation excédant largement leur propre nature. »
Fondé en 1614 et fermé depuis 2024, le couvent des ursulines fait partie intégrante du matrimoine d'Amiens, de par sa localisation, son histoire forte de 400 ans mais surtout pour ses créations de broderie à laiguille en fil dor et dargent, en soie et en laine.
L'une des plus célèbre est l'Antependium (vers 1660) qui, après un détour sur le marché de l'art, revient enfin à Amiens grâce au financement participatif lancé par le Musée de Picardie et à la générosité des donateurs. Cette oeuvre monumentale de 3 mètres par 1 m entièrement, réalisée par les religieuses du couvent des Ursulines à Amiens sera révélée pour la première fois au public lors des prochaines Journées européennes du patrimoine en 2025.
C'est à cet événement que cette publication est consacrée, mettant largement en avant l'histoire du couvent et de son atelier de broderies avec d'autres pièces de la collection du musée et montrant l'importance de ce site de production dans l'histoire de la broderie aux XVIIe et XVIIIe siècles. -
Mon ours en peluche
Marie Adamski, Sophie Lemahieu, Elena Paillet, Michel Pastoureau, Catherine Schwab, Hélène Valotteau
- Les Arts Decoratifs
- 6 Décembre 2024
- 9782383140252
L'immense popularité de l'ours en peluche, aujourd'hui présent dans toutes les chambres d'enfant, cache un paradoxe : comment cet animal féroce et sauvage est-il devenu le symbole de l'enfance ?
L'ours en peluche naît au même moment à deux endroits différents. En 1902, le jouet est inventé aux États-Unis en référence Theodore Roosevelt - d'où son nom anglo-saxon, Teddy's bear devenu teddy-bear. En Allemagne, la même année, Margarete Steiff commercialise son premier ours en peluche, créé à partir de coussins d'aiguilles, qui connaît un succès retentissant en Europe et en Amérique. Depuis les premiers exemplaires en mohair et paille de bois, lourds et rigides, l'ours en peluche s'est assoupli et adouci. Il s'est paré de couleur vives ou pastel, afin de pouvoir se transformer en doudou, objet transitionnel étudié et théorisé par le pédiatre Donald Winnicott. L'ours règne à présent sur toute une ménagerie d'animaux en peluche, mais aussi sur la fiction pour enfants, grâce à Winnie l'ourson, Michka ou Paddington. Plus étonnant, il est également prisé des créateurs de mode qui n'hésitent pas à le revisiter. Aujourd'hui, l'ours est, à travers les figures du panda et de l'ours polaire, le symbole des changements climatiques et d'une nature en danger.
À travers cinq essais et trois cahiers thématiques, ce catalogue retrace l'histoire de l'ours en peluche, de ses premiers pas à ses transformations et ses succès. Il questionne aussi notre rapport aux ours depuis l'Antiquité. Enfin, il s'appuie sur une riche iconographie qui offre un large panel d'ours en peluche anciens ou plus récents, en regard de représentations d'ours par l'homme au fil des siècles. -
Catalogue officiel de l'exposition organisée par le musée d'Orsay du 25 mars - 27 juillet 2025, grâce au partenariat exceptionnel du Nasjonalmuseet, Oslo.
Après Edvard Munch. Un poème de vie, d'amour (2022) et Harriet Backer. La musique des couleurs (2024), le musée d'Orsay clôt une trilogie consacrée à l'art norvégien du tournant du XXe siècle avec l'exposition Christian Krohg. Le Peuple du Nord, présentée au printemps 2025. Il s'agit de la toute première rétrospective de l'artiste en dehors de la Scandinavie, qui fait suite à plusieurs expositions à Oslo et Lillehammer en 2012, puis à Copenhague en 2014. En mettant en lumière les oeuvres naturalistes et engagées de Krohg, très éloignées de celles, plus introspectives, d'Edvard Munch, le musée offre ainsi une nouvelle perspective sur l'art norvégien de la fin du XIXe et du début du XXe siècle. À travers un panorama approfondi du parcours artistique de Krohg, l'exposition et le catalogue qui l'accompagne mettent en valeur sa modernité picturale et son engagement humaniste. Bohème et fervent défenseur des causes politiques et sociales de son époque, Krohg, également écrivain et journaliste, dépeint avec une profonde empathie la condition du peuple scandinave, les dangers du travail, la misère, ainsi que les injustices subies par les femmes. Munch, qui fut son élève, dira de lui qu'il était « le seul peintre capable de descendre de son trône et d'éprouver de la compassion sincère pour ses modèles ».
Organisé en quatre temps, cet ouvrage met en valeur les liens avec les artistes français que Krohg découvre lors de ses séjours parisiens - notamment Gustave Courbet, Édouard Manet et les impressionnistes. Dans sa série des marins, Krohg cherche à donner à ses oeuvres un sentiment d'immédiateté en utilisant des compositions déséquilibrées, des cadrages audacieux et des postures dynamiques. Son credo, « tout est une question de cadrage », est le fondement d'une recherche artistique d'une grande modernité. Membre de la société provocatrice de Christiania - ancien nom d'Oslo -, Krohg fait polémique et scandale auprès de la bourgeoisie et des élites artistiques, à travers ses portraits de ce milieu bohème et libre, de ces jeunes artistes, écrivains et intellectuels qui se réunissent dans les cafés de la capitale et commencent à contester la structure sociale dominante.
Un Zola norvégien ? En 1886, Krohg publie son roman Albertine, histoire d'une ouvrière violée devenue prostituée, roman que la police saisit rapidement au motif qu'il porte atteinte aux bonnes moeurs. Malgré les controverses, Krohg défend sa liberté d'expression contre la censure. Il réalise alors son tableau le plus important, la grande toile Albertine tirée de son roman, poussant la provocation jusqu'à engager des prostituées comme modèles. Peu d'oeuvres d'art norvégiennes ont suscité un débat aussi intense, par la mise en lumière d'une facette particulièrement sombre de la société norvégienne. D'autres grands tableaux naturalistes et engagés, tels La Lutte pour la survie, témoignent de l'attention que porte l'artiste aux membres les plus vulnérables de la société. Dans cette perspective, l'exposition et son catalogue explorent les scènes de famille, à travers des toiles qui révèlent l'intimité de l'artiste et témoignent de son humanité. L'empathie, comme l'a dit Munch, est au coeur de son travail. Par elle, il cherche à capter l'attention du spectateur et à « oeuvrer au progrès humain ». -
Un exil combattant : Les artistes et la France, 1939-1945
Collectifs
- Gallimard
- Albums Beaux Livres
- 20 Février 2025
- 9782073098252
Dès l'été 1940, partout dans le monde resté libre ainsi que dans les territoires d'Afrique, d'Asie et du Pacifique ralliés à la France libre, des artistes, des écrivains, des intellectuels et des scientifiques français et francophones, souvent réfugiés ou persécutés, engagent un combat culturel pour gagner les coeurs et les esprits des opinions publiques des pays neutres et alliés à la cause de ceux qui refusent la défaite de la France. Qu'ils soient Français libres ou non, tous ont contribué au rayonnement international de la culture française dans cette période troublée. Les vingt-trois auteurs sollicités pour le présent catalogue dressent un panorama de la production artistique, culturelle et scientifi que en exil. De l'architecture à la joaillerie, de l'édition au cinéma, du surréalisme à l'atome, autant de sujets aussi méconnus que passionnants sont illustrés par les photographies des trois cents objets, documents et oeuvres d'art présentés dans l'exposition. Au coeur de cet ensemble, une sélection de quarante-deux portraits commentés de ces artistes et intellectuels ayant oeuvré pour la Résistance redonne un visage à des personnalités toujours hors norme, parfois tombées dans l'oubli, rappelant que l'exil de chacun et la manière dont il a été vécu sont uniques.
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L'art est dans la rue : Catalogue d'exposition
Collectif
- BNF Éditions
- Beaux Livres Bnf
- 13 Mars 2025
- 9782717729658
À travers des oeuvres exceptionnelles de Toulouse-Lautrec, Chéret, Mucha ou encore Steinlen et des objets issus de cette époque, L'art est dans la rue révèle les multiples facettes de l'affiche, de la publicité à la propagande politique, accédant bientôt au rang d'oeuvre d'art.
Cet ouvrage explore l'essor spectaculaire de l'affiche illustrée à Paris durant la seconde moitié du XIXe siècle. Paris devient alors une gigantesque galerie à ciel ouvert, captant l'attention des passants et investissant tous les espaces urbains : murs, kiosques, colonnes Morris, jusqu'aux corps humains transformés en hommes-sandwichs. La rue devient à la fois un lieu d'expression politique, de revendication sociale et de consommation de masse. L'affiche, véritable art populaire, s'impose comme le reflet d'une époque effervescente, entre progrès techniques et bouleversements sociaux, où la ville elle-même devient le support d'une forme nouvelle de communication visuelle. -
Paris noir 1950-2000
Alicia Knock
- Éditions du Centre Pompidou
- Catalogues Du Mnam
- 12 Mars 2025
- 9782386540134
Avant les mouvements d'indépendance en Afrique, ainsi que le mouvement des droits civiques aux États-Unis, le Paris d'après guerre est devenu une plate-forme de résistance et d'émancipation, où des figures intellectuelles telles que James Baldwin, Léopold Sédar Senghor, Aimé et Suzanne Césaire ou Édouard Glissant ont ouvert la voie aux futurs post et décoloniaux.
Réunissant des études africaines, afro-américaines, latino américaines et caribéennes, ce catalogue est une cartographie vivante des recherches en cours, une tentative de cartographier la formidable histoire intellectuelle, artistique et littéraire postcoloniale de Paris. Les contributeurs sont attentifs aux circulations, aux réseaux et aux amitiés, où la ville apparaît comme un lieu de possibilité d'appartenance et de non-appartenance, de rencontres et d'isolement, de visibilité et d'invisibilité.
Ils articulent des notions telles que l'humanisme noir, la négritude, les modernismes cosmopolites et transatlantiques, à travers le prisme des études postcoloniales et décoloniales, des théories queer et féministes, ainsi que des politiques identitaires afro-diasporiques.
Le catalogue, richement illustré de nombreuses reproductions inédites d'oeuvres, met en lumière de nombreux artistes et écrivains dans toutes les disciplines de la peinture à la sculpture, en passant par la musique, le cinéma et la littérature à travers une nouvelle approche trans continentale.
