Sternberg Press

  • Cet ouvrage collectif examine le concept de contemporanéité sous l'angle de sa complexité temporelle, tout en inscrivant ce questionnement dans le contexte de la recherche artistique et curatoriale.

    Cet ouvrage est le dixième volume de la série « The Contemporary Condition » éditée par Geoff Cox et Jacob Lund et publiée avec l'université d'Aarhus et le musée d'art ARoS au Danemark. La série questionne la formation de la subjectivité et le concept de temporalité au sein des sociétés contemporaines. Ce projet part du postulat que l'art, dans sa propension à explorer le présent et à l'investir de sens, peut mener au développement d'une meilleure compréhension de la culture et de la société. « The Contemporary Condition » se concentre principalement sur trois sujets de réflexion : la problématique de la temporalité, le rôle des médias contemporains et des technologies computationnelles, et la dimension épistémique des pratiques artistiques.

  • En 2014, Paul McCarthy a installé l'immense sculpture gonflable Tree sur la place Vendôme à Paris. La forme de la sculpture rappelait à la fois un sex toy, un arbre de Noël et une oeuvre de Hans Arp. L'opération a provoqué un tollé général, l'artiste a été attaqué et l'oeuvre a été vandalisée et finalement retirée. L'intervention de McCarthy est porutant devenue un symbole de la liberté artistique. Ce livre rassemble des conversations avec des universitaires, des artistes, des commissaires et des écrivains, autour des enjeux et de la réception du projet, qui rendent compte des débats intellectuels parisiens.

  • Anglais Art, self & system

    Collectif

    Conçue par les élèves et enseignants du master beaux-arts de la Haute École d'art de Zurich, cette publication défend une vision de l'école d'art comme lieu d'implications pédagogiques, citoyennes et politiques.
    Art, Self & System est le deuxième volume d'une nouvelle série d'ouvrages visant à explorer les théories culturelles et le monde actuel à travers le prisme des pratiques artistiques contemporaines et des outils pédagogiques.
    Réalisée avec le Master beaux-arts de la Haute École d'art de Zurich et éditée par sa directrice Donatella Bernardi, la série propose de remplacer le traditionnel catalogue des diplômés par une publication théorique montrant le chemin parcouru par les étudiants au cours de l'année et d'explorer le rapport au monde d'une institution éducative basée à Zurich.

  • Anglais Master of voice

    Collectif

    La synthèse d'un programme de recherche de l'Académie Gerrit Rietveld d'Amsterdam sur le rôle de la voix (non) humaine, envisagée comme une « discipline » autonome, au-delà de sa dimension historique dans l'art moderne et contemporain, notamment dans les domaines de la performance, des arts sonores et de l'art conceptuel, dans ses relations avec la technologie, le genre et la société postindustrielle.

  • Ce petit catalogue revient sur une collaboration post-mortem entre le sculpteur américain John McCracken et le musicien électronique Florian Hecker : une expérience esthétique basée sur le bouleversement des frontières entre le physique et l'éphémère au sein de l'espace d'exposition.

    Publié suite à l'exposition éponyme au Künstlerhaus, Halle für Kunst & Medien Graz, Autriche, du 31 janvier au 5 mars 2015.

    Florian Hecker (né en 1975 à Augsbourg, vit et travaille à Vienne) est l'un artistes sonores contemporains les plus influents. Ses installations et ses performances participent d'une recherche sur l'espace, le temps, la perception et la matérialisation du son.

    John McCracken (1934-2011) est un artiste minimaliste, connu pour ses « planches », oeuvres hybrides entre peinture et sculpture, réalisées à partir de matériaux industriels.

  • Recueil de textes, de projets et d'entretiens traitant de la fascination actuelle autour de la fiction dans les champs de l'art, du design et de l'architecture (l'ouvrage comprend notamment une conversation avec l'auteur de science fiction Bruce Sterling, une première traduction anglaise de l'essai de 1966 On Fiction du théoricien du design Vilém Flusser, ainsi que l'un des derniers entretiens d'Umberto Eco).

    EP (pour Extended Play) est une collection d'ouvrages thématiques de poche. En introduisant la notion de « format étendu » dans l'édition, EP se conçoit comme une série transdisciplinaire - entre art, design et architecture - et hybride, entre magazine populaire (« single play ») et publication universitaire (« long play »).

    Voir aussi EP Vol. 1 - The Italian Avant-Garde - 1968-1976.

  • Une vue d'ensemble de la scène artistique contemporaine d'Amérique latine. Les curateurs Jens Hoffmann et Pablo León de la Barra délimitent un cadre théorique et critique qui permet d'aborder les problématiques sociales, industrielles et écologiques de la région ainsi que d'interroger les concepts et terminologies utilisés pour construire la notion d'Amérique latine.
    Avec Pablo Accinelli, Edgardo Aragón, Juan Araujo, Felipe Arturo, Nicolás Bacal, Milena Bonilla, Paloma Bosquê, Pia Camil, Bevenuto Chavajay, Marcelo Cidade, Donna Conlon & Jonathan Harker, Nicolás Consuegra, Minerva Cuevas, Elena Damiani, Mariana Castillo Deball, Ximena Garrido-Lecca, Federico Herrero, Voluspa Jarpa, Runo Lagomarsino, Adriana Lara, Engel Leonardo, Valentina Liernur, Mateo López, Renata Lucas, Daniel Steegmann Mangrané, Nicolás Paris, Amalia Pica, Pablo Rasgado, Pedro Reyes, Adrián Villar Rojas, Gabriel Sierra, Clarissa Tossin, Carla Zaccagnini.

    Publié suite à l'exposition éponyme au Museum of Contemporary Art Detroit, du 18 septembre 2015 au 3 janvier 2016.

  • Ouvrage collectif rassemblant, sous une couverture lenticulaire, les contributions d'artistes, de critiques et de chercheurs examinant la dynamique nouvelle qui a vu les arts de la danse et la performance réinvestir les espaces des institutions d'art contemporain au cours de la dernière décennie.

    Publié suite à la conférence éponyme à Para Site, Hongkong, en 2014.

  • Politics of food

    Collectif

    Cette publication offre une vue d'ensemble et un éclairage critique des relations entre nourriture et art actuel, à travers les contributions d'artistes, d'anthropologues, d'activistes et d'acteurs du monde alimentaire.

  • Ce catalogue accompagne l'exposition éponyme à TBA21, Vienne, en 2012-2013 : une installation complexe mêlant vidéo, photographie et documents d'archive, constituant un portrait subtil et sensuel de la chorégraphe, danseuse, chercheuse et artiste textile israélienne Noa Eshkol (1924-2007). Le livre rassemble neuf essais, des photographies de l'installation, des arrêts sur images, des documents d'archives de la Noa Eshkol Foundation (notes et journaux) et des tapis muraux de Noa Eshkol.

  • Monographie de référence dédiée à l'oeuvre de l'une des figures les plus marquantes de l'histoire de l'art conceptuel de l'Europe de l'Est : rassemblant une documentation visuelle abondante couvrant plusieurs décennies de la production de l'artiste, accompagnée de textes écrits par Geta Bra(tescu, cette publication met en lumière la manière dont s'entrelacent, dans une approche multidisciplinaire utilisant les médias les plus variés - film, happening, tapisserie, gravure, collage, objets et texte - l'héritage du modernisme et les enjeux conceptuels. Plusieurs essais soulignent et explicitent la dialectique complexe qui structure ce travail, de la conceptualisation de l'acte de dessiner au rôle crucial attribué au studio, en passant par les préoccupations liées à la représentation de soi, à la sérialité et à la dimension théâtrale de son oeuvre.
    Née en 1926 à Ploies,ti (Roumanie), Geta Bra(tescu vit et travaille à Bucarest.

  • Lisa Oppenheim

    Collectif

    Première monographie de l'artiste new-yorkaise.
    Publié à l'occasion de l'exposition « Lisa Oppenheim - From Abigail to Jacob (Works 2004-2014) » à la Grazer Kunstverein, Hambourg, en 2014.
    Lisa Oppenheim (née en 1975 à New York, où elle vit et travaille) développe une oeuvre singulière qui interroge les utilisations de l'image historique. Entre appropriation et recontruction, son travail, des films et des photogrammes expérimentaux basés sur un jeu de substitution et de dé/recontextualisation historique de documents photographiques et cinématographiques d'archives, peut être défini comme une archéologie du temps et de la culture visuelle.

  • Nouvelle monographie, juxtaposant les travaux de jeunesse de Genzken avec des pièces produites récemment, centrée autour de certains aspects particuliers de son oeuvre (le motif du miroir, l'architecture et l'espace comme sphère sociale) et de son rapport au travail d'artistes tels que Dan Graham, Gordon Matta-Clark, Jasper Johns, Gerhard Richter, Wolfgang Tillmans ou Lawrence Weiner.
    Publié à l'occasion de l'exposition éponyme à la Kunsthalle Wien de mai à septembre 2014.
    Bien que les méthodes et les médias soient divers (photographie, vidéo, collages, livres d'artistes), l'oeuvre d'Isa Genzken (née en 1948, vit et travaille à Berlin), construite d'après une logique interne très cohérente, est souvent définie comme sculpturale.
    Ses travaux montrent en réalité une certaine ambivalence vis-à-vis des thèmes classiques de la sculpture traditionnelle (organisation des masses et des volumes, relations entre construction, dessin de surface et matériaux, entre les objets, l'espace et le spectateur). Ces thèmes sont réintégrés dans un questionnement sur les relations entre l'espace privé et public, sur l'autonomie artistique et sur l'expérience collective, et replacés dans une perspective socio-politique : comment l'art donne-t-il corps et participe-t-il aux idéologies ?

  • L'artiste en tant que producteur, réalisateur, écrivain, orchestrateur, ethnographe, chorégraphe, poète, archiviste, faussaire, conservateur, etc. : cet ouvrage collectif rassemble des contributions qui réfléchissent la multiplicité des rôles joués par l'artiste aujourd'hui au sein du monde de l'art.

  • Une théorie critique de la mode dans une perspective postcoloniale.

    Cet ouvrage collectif examine les articulations contemporaines de la critique de la mode postcoloniale et analyse la mode en tant que phénomène culturel, historique, social et politique, déterminé par des phénomènes de domination coloniale, de résistance anticoloniale et de processus de décolonisation et de mondialisation. Issus de diverses disciplines, telles que l'histoire de l'art, les études textiles, l'anthropologie, l'histoire, les études littéraires, les études culturelles, la sociologie, les médias de la mode et la théorie de la mode, les contributions rassemblées reflètent la nature multidisciplinaire et plurielle de la recherche postcoloniale sur la mode aujourd'hui.

    Cette publication s'inscrit dans la collection Series of the Academy of Fine Arts Vienna.

  • Cette publication prolonge les recherches de Boy Vereecken sur la culture littéraire grand public initiées avec Signature Strengths (2016). Le volume comprend deux textes : une interprétation contemporaine du roman policier par Shumon Basar et une histoire du genre des dossiers criminels par Laura Herman, accompagnés de photographies judiciaires d'Antoine Begon.

  • Cet ouvrage propose trois études de cas analysant la réalité sociale, spatiale et matérielle du populisme de droite. Les sujets abordés incluent Trump et le Brexit, les espaces de l'extrême-droite en Allemagne et un assassinat raciste commis en 2006 par un groupe d'extrême-droite allemand. Parmi les autres contributions : une introduction de l'anthropologue Mahmoud Keshavarz, un entretien avec Wolfgang Tillmans et une bande dessinée de Liam Gillick.

  • A la fois documentation et extension de l'exposition éponyme au musée Sztuki de Lódz, cette publication s'intéresse à l'idée de sororité dans l'art (en tant que réappropriation féministe de la notion de fraternité) et à ses manifestations depuis les années 1970, dans les sphères du travail, de la production et de la reproduction.
    Publié suite à l'exposition éponyme au Muzeum Sztuki, Lódz, en 2015-2016.

  • Cet ouvrage collectif s'intéresse au retour actuel de la conception et des revendications universalistes, dans les domaines de l'art, de l'architecture et de l'urbanisme, et souligne l'interrelation du singulier de l'universel dans diverses situations historiques depuis le XIXe siècle jusqu'à l'ère néo-libérale et numérisée contemporaine. Les essais rassemblés plaident pour un changement épistémique du concept d'universalité : de l'essence à la modalité, de l'abstrait et du statique au performatif et au productif.

  • Une vue d'ensemble de l'art contemporain algérien et de sa diaspora à travers les oeuvres de 25 artistes, vidéastes, peintres, photographes et sculpteurs (catalogue).
    Cet ouvrage présente les travaux de vingt-cinq artistes contemporains algériens qui portent différents regards sur le quotidien des Algériens et de leur diaspora, et sur la manière d'entreprendre l'héritage artistique forgé après l'indépendance de 1962.
    Le catalogue comprend également un ensemble de textes théoriques sur l'évolution des relations entre art et politique en Algérie, des poèmes de Samira Negrouche et un essai graphique de Nawel Louerrad. Le titre du livre provient d'un essai de Wassyla Tamzali sur le film de Merzak Allouache, Omar Gatlato (1977).

  • Cette publication présente les recherches du master Materialisation in Art & Design (MAD) au Sandberg Instituut d'Amsterdam. Les contributions reflètent les préoccupations de ce programme dont l'objectif est de replacer la matière et le faire au centre des pratiques de l'art et du design.

    Cet ouvrage est le quatrième volume de la série « Sandberg », publiée avec le Sandberg Instituut, Amsterdam.

  • Entre le catalogue et le recueil d'essais, cette publication documente un programme curatorial itinérant sur la réception critique de la littérature ethnographique de voyage d'Hubert Fichte. Ce projet offre des pistes de réflexion transversales autour du modernisme colonial, de l'ethnographie, de la poésie et de la sexualité.

    Publié à l'occasion de l'exposition éponyme, Haus der Kulturen der Welt, Berlin, du 18 octobre 2019 au 6 janvier 2020.

  • Prolongeant le programme d'expositions éponyme de la Cooper Gallery, ce catalogue puise dans l'activisme des femmes artistes des années 1970 à nos jours pour fonder une réflexion sur la pensée féministe comme dispositif de recherche à la fois efficient et provocateur.

    Publié suite au cycle d'exposition éponyme à la Cooper Gallery, Barnsley, Royaume-Uni, du 28 octobre au 16 décembre 2016 (chapitre 1) et du 20 janvier au 4 mars 2017 (chapitre 2).

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