"À la fin de sa vie, en décembre 2015, Ellsworth Kelly a fait don au Centre Pompidou de son oeuvre la plus célèbre, ""Window Museum of Modern Art, Paris (1949)"", une construction peinte en bois et toile, qui reprend la structure et les proportions d?une fenêtre du Musée national d?art moderne de l?époque (aujourd?hui Palais de Tokyo). Mais l?artiste a également été une figure clé dans la renaissance de Cahiers d?Art. C?est donc cet éditeur qui réalise le catalogue bilingue anglais-français accompagnant l?exposition Fenêtres au Centre Pompidou (du 27 février au 27 mai 2019). Avec deux textes critiques de Jean-Pierre Criqui et Yve Alain Bois et une cinquantaine d?oeuvres rassemblées ici pour la première fois, ce catalogue porte un nouveau regard sur un moment clé dans la carrière de l?artiste, celui où il s?ancre dans le motif."
Publié à l'occasion de la grande rétrospective de l'artiste au Centre Pompidou, cet ouvrage explore en profondeur l'oeuvre ouverte et multimédia conséquente de Christian Marclay, dont l'écho et la popularité n'ont cessé de croître au fil du temps. Depuis ses premières performances dans les années 1970 jusqu'à son iconique Guitar Drag (2000) et ses plus récentes installations vidéo à grande échelle telles que All Together (2018) et Subtitled (2019), des assemblages de disques et de leurs pochettes, des photographies de tous formats, des instruments de musique modifiés, des vidéos, des gravures et peintures combinées, des objets et des partitions graphiques assurent le tissu conjonctif de ce corpus choral et résolument polymorphe en perpétuelle évolution -une pratique dans laquelle la dimension auditive de notre existence, littérale ou silencieusement évoquée, est constamment affirmée.
Conçue par Zak Group et abondamment illustrée, la publication rassemble de nouveaux essais des écrivains Polly Barton et Nathalie Quintane, des historiens de l'art Michel Gauthier et Marcella Lista, et de la spécialiste du design Catherine de Smet, qui offrent de nouvelles perspectives sur la pratique de l'artiste. Elle comprend également une conversation approfondie avec Christian Marclay par le commissaire de l'exposition, Jean-Pierre Criqui, une anthologie de textes d'écrivains et d'historiens de l'art de renommée internationale -Clément Chéroux, Dennis Cooper, Jean-Pierre Criqui, Wayne Koestenbaum et David Toop- ainsi qu'une chronologie exhaustive d'Annalisa Rimmaudo.
Publié à l'occasion de l'exposition rétrospective de Christian Marclay au Centre Pompidou, Paris, de novembre 2022 à février 2023.
Wim Delvoye, apparu sur la Terre en 1965, est le plus connu des artistes belges de notre XXIe siècle naissant. Héritier de Warhol mais aussi de Bruegel et de Disney, il a construit depuis le milieu des années 1980 une entreprise artistique » dans tous les sens de cette expression » véritablement sans équivalent, où une invention protéiforme et ironique se mêe à une enfance perpétuellement retrouvée. En 2000, Wim Delvoye lance dans le monde une machine infernale : Cloaca, automate excréteur décliné depuis lors en une large gamme de modèles, gigantesques ou portatifs. Le nom propre de l'artiste vaut ici à la manière d'une marque commerciale, qui sans cesse diversifie sa production et propose en même temps cochons tatoués (vivants ou non), camions en bois ou en acier finement ciselés, vitraux, radiographies, t-shirts, projets d'architecture. Liste potentiellement sans fin qui dénote une ambition majeure ainsi qu'un développement à venir toujours plus surprenant.
Pour la présente monographie, Wim Delvoye a rassemblé une suite de travaux sur papier inédits qui, tout en jetant un éclairage sur son laboratoire personnel, présentent les principales facettes de son oeuvre.
Through his portraits and landscapes, his bestiary and his architectures, Xavier Veilhan (born 1963 in Lyon, lives and works in Paris) pursues a constantly regenerated reflection on the status of representation and the materialization of an idea, using the same space for sculpture, painting and photography. A manufacturer of the visible, he invents works, images, and objects that hesitate between the familiar and the strange. Interested in modernity and using references ranging from classical statuary to Futurism and Op art, Veilhan has been compared to artists such as Damien Hirst and Jeff Koons. For Jean-Pierre Criqui he is "a perfect example of a Pop artist for the 21st century, with an accessible formal vocabulary and referents, while at the same time cultivating a certain air of detachment and reserve in his use of affects, thereby distancing himself from the empathy aroused by direct borrowings from the sphere of commodities and the media."
"Un trou dans la vie" est une expression forgée par l'artiste américain Robert Smithson afin de caractériser l'expérience du spectateur de cinéma. Si elle sert ici de titre à un ensemble de textes consacrés aux arts visuels contemporains, c'est que les oeuvres des artistes abordés (tous des figures décisives des quatre dernières décennies), plus qu'à une réduction de la distance avec le monde de "la vie" à laquelle eux-mêmes voulurent parfois croire, travaillent sans doute à une sorte d'interruption. Interruption, suspens : moment fondateur où se conjuguent l'appréhension de l'oeuvre et la saisie par lui-même d'un sujet percevant.
Du plus éloigné de nous (Piero Manzoni, mort en 1963) au plus jeune d'entre eux (Gabriel Orozco, né en 1962), en passant par quelqu'un tel que Bruce Nauman (né en 1941, toujours en activité et fréquemment considéré comme l'artiste majeur de la période actuelle), c'est un tour d'horizon des propositions les plus novatrices de l'art récent qui se voit esquissé à travers ces sept textes : bouleversements de la sculpture (Smith), art corporel (Manzoni), land art (Smithson), recours au texte au sein de l'oeuvre plastique (Morris), installations vidéo (Nauman), déplacements et déambulations en tous genres (Orozco).
C'est à Haight-Ashbury qu'est né au milieu des années 60, le rock psychédélique, dit aussi rock de San-Francisco, fortement influencé par l'utilisation des drogues hallucinogènes et notamment le LSD. Des groupes tels que les Grateful Dead, Jefferson Airplane, Big Brother and the Holding
Company ou Santana, occupèrent alors le devant de la scène, influençant la musique rock dans le monde entier, du Velvet Underground aux Rolling Stones.
Les concerts de ces groupes, dans des salles devenues mythiques comme le Filmore ou l'Avalon Ballroom, étaient annoncés par des affiches aux couleurs vibrantes et aux motifs en volute évoquant les hallucinations provoquées par la drogue. Créées par certains des graphistes les plus inventifs de l'époque Wes Wilson, Victor Moscoso, Rick Griffin, Alton Kelley et Stanley « Mouse »
Miller, pour ne citer que les plus célèbres -, ces affiches qui révolutionnèrent l'imagerie musicale témoignent d'un moment particulièrement créatif de la culture américaine.
Ce livre présente plus d'une centaine d'affiches parmi les plus imaginatives et colorées du rock psychédélique de San Francisco.
Elles sont accompagnées de textes qui analysent l'influence de mouvements tels que l'Art nouveau et l'Op Art sur le graphisme psychédélique.
Le Centre Pompidou inaugure une exposition sur l'artiste Charles Ray en février 2022.
Cet événement exceptionnel aura son parallèle, à la même période, à la Bourse de Commerce - Pinault Collection, où sera également proposée une exposition de l'artiste. Conçues en étroite collaboration, ces deux expositions offriront des lectures complémentaires de l'oeuvre de Charles Ray, de ses débuts à aujourd'hui.
Américain né en 1953, Charles Ray bouleverse les canons de la sculpture. Son oeuvre singulière a fortement contribué à redéfinir les contours de la figuration plastique.
On 4 July 2005, Christian Marclay photographed a marching band at an Independence Day parade in Hyde Park, New York. He then produced eight photographs as large prints, and proceeded to tear them up into more than 40 pieces. The result is this artist's book, which composes Marclay's chaotic photo-fragments into a visual and narrative equivalent of a sound-art work.
This catalogue for a show at the Tornabuoni Gallery in Paris pays homage to two outstanding Italian women artists of the second half of the 20th century, Carla Accardi and Dadamaino (Eduarda Emilia Maino). Both embraced avant-garde art and theory while remaining free of dogmatism, and explored the characteristics and possibilities of painting and signs while forging their own distinct paths. They shared a strong belief in social and political involvement, and left an enduring mark on the history of art. In this book, their creative journey is beautifully illustrated with a vast selection of works and through contextual critical analyses.
