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Youssef Ishaghpour
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Kiarostami Tome 2 ; dans et hors les murs
Youssef Ishaghpour
- Circe
- Circe Poche
- 5 Octobre 2012
- 9782842423353
Kiarostami.: le réel, face et pile , le précédent livre de Y. Ishaghpour, était consacré aux aspects di érents et aux métamorphoses d'une oeuvre complexe dans son apparence de simplicité.
Le présent volume continue la même démarche, à propos des fi lms récents. On retrouve chez le réalisateur le même détachement esthétique, avec sa sérénité, sa disponibilité, son ouverture et son accueil. Cependant, tout en gardant toujours leur «.minimalisme.», sans rien d'une réfl exivité moderniste, les fi lms et les photographies de Kiarostami s'a£ rment de plus en plus «.conceptuels.».
Le nouveau fi lm de Kiarostami ( Like Someone in Love ) sortira sur les écrans le 12 septembre.
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La beauté éblouissante de la miniature persane, la splendeur de son monde merveilleux de terre des songes est celle de la couleur pure.
C'est la liberté, la finesse, la délicatesse et la multiplicité de ses couleurs qui la distinguent des peintures classiques de la chine et de l'occident. vision paradisiaque, miroir et jardin, la miniature persane réalise l'union du principe abstrait de l'ornement islamique avec cette croyance théosophique de l'ancienne perse: " c'est grâce à sa lumière que le monde s'est vêtu d'une parure de joie ".
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Chohreh Feyzdjou ; l'épicerie de l'apocalypse
Youssef Ishaghpour
- Circe
- 22 Septembre 2011
- 9782842422950
Chohreh Feyzdjou présente ses oeuvres dans l'idiome universel de la marchandise : « Product of... ». Ainsi chaque chose en porte la marque, l'étiquette et la date. Et l'ensemble, qui sans cela serait une quelconque installation, tient, avec ses cageots et ses bocaux, ses flacons ou ses sachets, de l'étalage, déposé à la hâte, d'un marché du jour. Ses caisses éventrées semblent venir d'un entrepôt de grossiste, des quais d'une gare ou d'un port. On pénètre ainsi dans un bazar qui a l'insolite et l'étrangeté, l'ironie aussi, trouble et effrayante, d'une épicerie de l'apocalypse...
Chohreh Feyzdjou, plasticienne d'origine iranienne (1955-1996) a exposé en France et à l'étranger dans de nombreuses galeries et musées.
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Courbet ; le portrait de l'artiste dans son atelier
Youssef Ishaghpour
- Circe
- 21 Avril 2011
- 9782842423131
Malraux a appelé « irréelle » la peinture commencée à la Renaissance et « intemporelle » la peinture moderne. Avec son « allégorie réelle », dont son Atelier, objet central du livre, est le manifeste, c'est dans cet entre-deux que se place Gustave Courbet. Entre ce que la peinture était encore pour Ingres et Delacroix et ce qu'elle sera à partir de Manet : entre une « peinture de l'idéal » et un « idéal de la peinture ». C'est dans cet entre-deux, ce hiatus, dans ce qui semble une syncope et un passage, qu'apparaît Courbet.
Et c'est ce vide, cette ouverture qu'il crée et qu'il remplit à la fois, par son attitude rebelle, exigeant une force peu commune, par l'affirmation de l'individualité, de son individualité et par l'image de l'Artiste, sa propre image et presque son corps.
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Hedayat est le plus grand écrivain de l'iran moderne, né de la rencontre, inévitable et catastrophique, d'un univers visionnaire d'images et d'une tradition lyrico-mystique de l'amour avec les techniques, les objets et le désenchantement moderne venu de l'occident.
Lui-même sur la ligne de partage entre l'orient et l'occident, youssef ishaghpour, voit l'expérience et l'oeuvre de hedayat comme l'éclair jailli de cette rencontre, illuminant l'étendue du désastre. esquisse de ce paysage, son hommage au grand écrivain iranien est aussi une introduction à la chouette aveugle, le chef-d'oeuvre de hedayat, lieu, précisément, de la métamorphose du monde visionnaire ancien de l'amour, de l'image et du poème dans l'abîme d'une nuit sans fond, d'ombre, de miroir déformant et de regard.
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Orson welles cineaste une camera visible t1
Youssef Ishaghpour
- La Difference
- 1 Mars 2001
- 9782729113254
Orson Welles est l'initiateur du cinéma moderne.
Il occupe, dans le parlant, la place qui était celle de Griffith dans le cinéma muet. L'oeuvre d'Orson Welles est l'histoire de l'émergence et de la disparition de l'individu. Elle est la mise en scène de l'Individualité souveraine, dans sa double figure antinomique et liée : volonté de domination et absence de pouvoir de l'artiste. Au moment de l'apparition de la civilisation industrielle et des masses anonymes des grandes villes, la reproduction technique, la photographie et la grande presse avaient séparé l'art et le public en opposant deux phénomènes liés et contemporains : l'avant-garde et l'industrie culturelle.
L'utopie de tous les grands cinéastes a toujours été de dépasser par le cinéma - reproduction technique, art et marchandise à la fois - le fossé entre l'art et le public. L'oeuvre et la vie ruinée d'Orson Welles sont emblématiques de l'impossibilité de cette utopie : être en même temps un génie et un article de masse.
Orson Welles cinéaste, une caméra visible aborde le cinéma comme le souhaitait Eisenstein : en gros plan et en plan d'ensemble.
Ce premier volume de la trilogie consacrée à Welles - qui paraît simultanément avec les deux autres volets : Les Films de la période américaine et Les Films de la période nomade - tente de recréer la constellation historique, sociale, politique, philosophique, artistique, cinématographique et biographique qui a donné naissance à l'oeuvre de celui qui voulait que chacun de ses films soit une expérience cinématographique nouvelle.
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Orson welles cineaste une camera visible t2
Youssef Ishaghpour
- La Difference
- 1 Mars 2001
- 9782729113261
Orson Welles est l'initiateur du cinéma moderne.
Il occupe, dans le parlant, la place qui était celle de Griffith dans le cinéma muet.
L'oeuvre d'Orson Welles est l'histoire de l'émergence et de la disparition de l'individu. Elle est la mise en scène de l'Individualité souveraine, dans sa double figure antinomique et liée : volonté de domination et absence de pouvoir de l'artiste. Au moment de l'apparition de la civilisation industrielle et des masses anonymes des grandes villes, la reproduction technique, la photographie et la grande presse avaient séparé l'art et le public en opposant deux phénomènes liés et contemporains : l'avant-garde et l'industrie culturelle.
L'utopie de tous les grands cinéastes a toujours été de dépasser par le cinéma - reproduction technique, art et marchandise à la fois - le fossé entre l'art et le public. L'oeuvre et la vie ruinée d'Orson Welles sont emblématiques de l'impossibilité de cette utopie : être en même temps un génie et un article de masse.
Orson Welles cinéaste, une caméra visible aborde le cinéma comme le souhaitait Eisenstein : en gros plan et en plan d'ensemble.
Dans ce deuxième volume de la trilogie consacrée à Welles - qui paraît simultanément avec les deux autres volets : Mais notre dépendance à l'image est énorme..
Et Les Films de la période nomade - il est question de Citizen Kane, de La Splendeur des Amberson et de La Dame de Shanghai - portraits de l'Amérique qui correspondent à trois moments d'invention de la modernité cinématographique : la question du cinéma, du temps, de l'image.
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Osron welles cineaste une camera visible t3
Youssef Ishaghpour
- La Difference
- 1 Mars 2001
- 9782729113278
Orson Welles est l'initiateur du cinéma moderne.
Il occupe, dans le parlant, la place qui était celle de Griffith dans le cinéma muet.
L'oeuvre d'Orson Welles est l'histoire de l'émergence et de la disparition de l'individu. Elle est la mise en scène de l'Individualité souveraine, dans sa double figure antinomique et liée : volonté de domination et absence de pouvoir de l'artiste. Au moment de l'apparition de la civilisation industrielle et des masses anonymes des grandes villes, la reproduction technique, la photographie et la grande presse avaient séparé l'art et le public en opposant deux phénomènes liés et contemporains : l'avant-garde et l'industrie culturelle.
L'utopie de tous les grands cinéastes a toujours été de dépasser par le cinéma - reproduction technique, art et marchandise à la fois - le fossé entre l'art et le public. L'oeuvre et la vie ruinée d'Orson Welles sont emblématiques de l'impossibilité de cette utopie : être en même temps un génie et un article de masse.
Orson Welles cinéaste, une caméra visible aborde le cinéma comme le souhaitait Eisenstein : en gros plan et en plan d'ensemble.
Dans ce troisième volume de la trilogie consacrée à Welles - qui paraît simultanément avec les deux autres volets : Mais notre dépendance à l'image est énorme...
Et Les Films de la période américaine - Orson Welles, tel Gregory Arkadin, la figure mythique qu'il a inventée, est devenu nomade. Non pas, comme le personnage de son conte moderne, pour étendre sa domination sur le monde, mais en tant que Souverain d'un royaume inexistant où il aurait pu réaliser des films. Ce royaume avait une terre d'origine : Shakespeare et le théâtre, où l'acteur et le metteur en scène Orson Welles était venu au monde.
C'est là que, réduit à lui-même, Welles retournait sans cesse : Macbeth, Othello, Falstaff. Les trois derniers films de Welles ont pour objet la souveraineté esthétique : Falstaff, Une histoire immortelle, Vérité et mensonge - et l'inachevé De l'autre côté du vent. Ils sont tous consacrés à l'art et à l'artiste, devenus de plus en plus problématiques, dans un monde dominé par l'image-communication-marchandise, où même l'artiste, disait Adorno, se transforme en " faux ".
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de la naissance historique dit cinéma, de l'apparition du parlant, de la situation particulière du cinéma entre art et marchandise, de la continuité du cinéma et de la possibilité des films, du cinéma et des autres arts, de sa hantise de l'histoire et de son rapport a la tradition, de la modernité et de son terme, de l'interdit des images et de leur résurrection, de la fin de l'utopie oú de la situation de l'art et de son sens aujourd'hui.
c'est des divers aspects de " la question du cinéma " et de son " historicité " qu'il s'agit dans les essais dont se constitue ce livre. l'idée de " l'historicité du cinéma " englobe non seulement " l'histoire du cinéma ", ou " cinéma et histoire ", et des effets réciproques de l'un sur l'autre, mais surtout " l'historicité et l'authenticité du matériau " comme l'appelait adorno, et celle des formes.
" l'historicité du cinéma " implique également l'historicité du discours sur le cinéma. dans cette relation, le cinéma n'est plus traité comme quelque chose de particulier et de fermé sur soi, mais - ainsi que l'exige la relation à toute création véritable dans l'ouverture d'horizon qui est, et doit être, la sienne.
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la pensée de marx n'est pas une vérité intemporelle, ni une relique du passé, devenue obsolète.
elle est passée de l'histoire et, comme telle, à son épreuve : depuis marx à aujourd'hui.
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La peinture moderne a évité l'image et la narration pour ne pas se retrouver dans la proximité de la photographie et du cinéma et de ce que la reproduction technique révèle : la banalité d'un monde vide de substance. C'est ce défi que Hopper assume pour peindre le présent au présent.
Tout en conservant la proximité du photographique et du monde banal, il les dépasse en exprimant leur « vérité » en peinture. Une transfi guration qui produit la tonalité particulière de son oeuvre :
« étrangement familier », énigmatique dans son évidence. En partant de la réalité de l'Amérique de son temps, déterminée dans son essence par Hollywood, Hopper atteint l'envers du « rêve américain » et « l'expérience existentielle » commune du XXe siècle : déréliction, solitude, aliénation.
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Le poncif d'Adorno ; le poème après Auschwitz
Youssef Ishaghpour
- Editions du Canoé
- 11 Octobre 2018
- 9782490251032
Essai d'esthétique de philosophie et d'Histoire à partir de la phrase d'Adorno, devenue une formule magique, mondialement célèbre :"Écrire un poème après Auschwitz est barbare". Recontextualisation de cette phrase et décryptage des positions d'Adorno, d'Heidegger et de Celan.
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Rothko - une absence d'image : lumiere de la couleur
Youssef Ishaghpour
- Editions du Canoé
- 3 Octobre 2023
- 9782490251872
« La peinture réduite à elle-même : des couleurs sur une surface, l'absolu de la peinture et une peinture absolue. Silencieusement. Le matériau porté à l'incandescence. Le symbolique pur de toute signification, objet, image. Quelques plages de couleurs : la lumière qui en émane, irradie d'elles comme l'obscurité qui les hante, inconnue, inconnaissable. » Tels sont les premiers mots de ce bref et lumineux essai, qui en contiennent déjà tout le propos, à l'heure où s'ouvre à la Fondation Vuitton une grande rétrospective consacrée à Rothko.
On comprend que cette oeuvre splendide ait fasciné Ishaghpour. Elle incarne l'impossible mariage entre une tradition juive intériorisée qui interdisait les images et la peinture dont l'histoire même magnifie l'image. Rothko, né Rothkowitz à Dvinsk, dans l'actuelle Lettonie, en 1903, venu à l'âge de dix ans à Portland en Oregon, n'était pas destiné à devenir peintre. Son initiation à la peinture prend la forme d'un parcours de misères. Mais ses rencontres avec Newman, Still, De Kooning, dans une Amérique en quête d'affirmation par rapport à la peinture européenne, lui permettront de réaliser sa recherche d'absolu en créant une épiphanie visible de la lumière qui n'est pas avant les couleurs mais en elles. Un essai grandiose, indispensable, qui ne cherche pas tant à lever «le voile» sur une peinture profondément tragique qu'à le rendre visible. -
Visconti, le sens et l'image
Youssef Ishaghpour
- La Difference
- Les Essais
- 12 Octobre 2006
- 9782729116453
Visconti et Rossellini ont été les deux grandes révélations cinématographiques de l'après-guerre en Europe.
La déflagration mondiale avait brisé l'unité du spectacle et du réalisme coexistant chez Renoir et dans le cinéma classique. Sous le vocable de " réalisme ", il y eut deux chemins différents : l'acte de filmer, la pureté du cinéma pour Rossellini, et son impureté foncière pour Visconti, le cinéma comme synthèse des arts - peinture, musique, littérature, théâtre, opéra. Les arts traditionnels, tout ce que le cinéma et l'univers industriel avaient détruit, Visconti espérait les faire revivre grâce au cinéma : l'espérance d'une unité de l'ancien et du nouveau, le désir de voir se réactualiser, grâce au peuple, la tradition culturelle humaniste des maîtres d'autrefois - dans le sens historique et esthétique du terme.
" L'Italie qui demeure dans l'Italie qui change. " L'histoire réelle, la modernisation rapide de l'Italie, a transformé cette espérance en une volonté de réconciliation qui se brise une dialectique du progressisme et de la décadence. Le cinéma de Visconti est devenu la mémoire d'un certain passé perdu de l'Europe : un moyen d'évocation, d'adieu, de long regard sur ce qui est invoqué une dernière fois mais comme pour venir mourir.
Un cinéma de temporalité, de remémoration où le sentiment de fin du monde - comme d'une famille qui se déchire, ou de l'individualité qui se détruit pour retrouver sa vérité - est vécu dans le désir et la passion. Cet essai relie l'analyse thématique, celle des matériaux et des formes, à la dimension esthético-philosophique et historique. Il propose une synthèse interprétative de ce que Luchino Visconti appelait son " oeuvre personnelle ".
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Dans sa généralité, l'existence du cinéma pose un certain nombre de questions théoriques qui sont abordées dans la seconde partie de l'ouvrage.
Mais le cinéma est d'abord, essentiellement, un ensemble ouvert de possibilités, créées et réalisées par les oeuvres d'art cinématographiques qui exigent d'être envisagées, ne serait-ce que de manière très schématique, dans leur diversité historique.
Dans ce parcours rapide, il ne s'agit pas d'un « catalogue », d'une volonté de « tout dire », de « nommer » beaucoup de réalisateurs et de films.
Mais de « dire le tout », de donner une vision d'ensemble à la fois analytique et synthétique du cinéma, d'un point de vue historique et esthétique, depuis la formation de l'expression cinématographique jusqu'au cinéma contemporain.
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Dans sa première rencontre avec le cinéma de Kiarostami, le public européen découvrait un Iran profond : une vision contemplative, donc à distance, célébrant l'enfance et les villages, la vie dans un présent intemporel, comme intouchée par l'existence moderne.
Complexe dans cette apparente simplicité, l'oeuvre d'Abbas Kiarostami connaîtra une transformation radicale. Il n'est plus alors un réalisateur «?iranien?», mais un cinéaste et photographe international. Animé par l'intranquillité qui l'engage à prendre la route, il semble être partout chez lui, avec le même détachement esthétique, sa sérénité, sa disponibilité, son ouverture.
Ce livre reprend et rassemble les deux ouvrages de l'auteur sur l'oeuvre de Kiarostami publiés en 2001 et 2012. Il comprend un dialogue avec le réalisateur et photographe.
